Giorgio Griffa – Ritmi e pause

In questo caso, in particolare, si trattata di ottenere in incisione quel tono impalpabile ed evanescente che l’artista torinese — incluso suo malgrado fra i protagonisti della stagione della pittura “analitica” — ottiene tracciando liquidi e trasparenti segni di puro colore sulle tele di lino prive di telaio, o su carte ingiallite.

La scommessa di queste immagini, però, si pone non solo sul piano della traduzione di uno stile pittorico su una superficie specchiante che può disorientare, che non consente lo stesso esito immediato del segno tracciato con un colore, ma si gioca soprattutto sulla conversione di un metodo di lavoro di lungo periodo, oggetto per Griffa di costanti e reiterate riflessioni, alle esigenze tecniche della calcografia.

Non era così ovvia, per esempio, la restituzione di quel segno fluido tipico della sua pittura — che talvolta rasenta i modi della calligrafia vera e propria — con la vernicetta coprente che impermeabilizza la lastra anziché con i suoi amati pigmenti ad acqua, che precludeva al contempo un riscontro istantaneo sulla trasparenza impalpabile del colore.

Da subito Griffa mise a punto un dispositivo pittorico tutto in evidenza, basato su una scommessa di esattezza, che non ammetteva margini di errore e non consentiva pentimenti: la trama, fin dai primi esperimenti, è sempre stata a vista e improntata a un trattamento alla prima, senza possibilità di intervenire in un secondo tempo sul già dipinto.

Ogni volta che il pennello tocca la tela o il foglio di carta deve seguire un ritmo e una disciplina ordinate, e sta all’artista sapersi fermare per tempo: non è solo questione di poetica del “non finito”, per quanto centrale nel ragionamento di Griffa, come indicazione di un potenziale completamento del campo secondo le indicazioni date, ma di calibrare il ritmo fra riempimento e spazi di riposo che diano compiutezza a quel carattere provvisorio.

Tutta la riflessione di Griffa, in fondo, verte sul segno e sulla sua dimensione tanto materialmente concreta quanto eterea e inafferrabile, fin quasi a una scissione fra i due concetti: fra la memoria del medium e la costituzione del segno come “individuo” con una identità autonoma.

Di certo rimaneva intatto, come diceva l’artista stesso, il desiderio di «introdurre spazi di silenzio», con le ricadute che questo poteva avere sulla percezione del lavoro e della sua finitezza nel non finito: «il lavoro», mi dice «è compiuto quando mi fermo, cioè quando rimane una parte di silenzio».

Tutto, insomma, si tiene su uno stato di sospensione e rarefazione tanto visiva quanto temporale.